Ausstellungen

Erma Bossi – Sonia Delaunay-Terk – Emmi Dresler – Elisabeth Epstein – Elisabeth Erdmann-Macke – Natalija Gontscharowa – Else Lasker-Schüler – Maria Franck-Marc – Olga Meerson – Gabriele Münter – Carla Pohle – Marianne von Werefkin

»Hochverehrte Prinzessin, vieladeliger wilder Junge, süße Malerin, wann darf ich kommen – ich träume von der Süßigkeit Ihrer Bilder. (Der Prinz von Theben) Else Lasker-Schüler (Der blauen Reiterreiterin Freundin.)«

Else Lasker-Schüler an Marianne von Werefkin 1913

In einem Brief an Marianne von Werefkin erfand die expressionistische Dichterin Else Lasker-Schüler 1913 den einprägsamen Begriff der »Blauen Reiterreiterin«.

Dass neben Werefkin zahlreiche Künstlerinnen im Umfeld der Bewegung und ihren Ausstellungen aktiv waren und sie entscheidend mitprägten, zählt zu den Besonderheiten des »Blauen Reiters«. Neben Werefkin und Gabriele Münter sind darunter Maria Franck-Marc und Elisabeth Epstein, die ein grenzüberschreitendes Netzwerk zu Erma Bossi, Sonia Delaunay und Natalija Gontscharowa aufbauten. Ihre Rollen innerhalb des »Blauen Reiters«, ihre Einflüsse auf die ästhetische Theorie und Kunst der Bewegung sowie ihr Wirken über den Ersten Weltkrieg hinaus sind nun erstmals Thema einer umfassenden Ausstellung, die an vier Stationen in Deutschland sowie der Schweiz präsentiert wird. Der Titel geht auf die Überformung Lasker-Schülers zurück und gewährt bereits einen Einblick in die komplexen emanzipatorischen Bestrebungen der Künstlerinnen.

Mit der Ausstellung feiert das Paula Modersohn-Becker Museum als weltweit erstes Museum, das dem Werk einer Malerin gewidmet ist, am 2. Juni 2027 sein 100-jähriges Bestehen. Die Bremer Pionierin der Moderne wird dann auf zwölf Zeitgenossinnen treffen, die ihr Ziel teilten, in ihrer Kunst mit etablierten Wahrnehmungsgewohnheiten zu brechen.

Eine Ausstellung des Paula Modersohn-Becker Museums in Kooperation mit dem Museum Wiesbaden und der Städtischen Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München sowie der Fondazione Marianne Werefkin in Ascona/CH

Das Leopold Museum widmet sich in einer groß angelegten Ausstellung dem Thema Mode im Kontext des Gesamtkunstwerkes Wien 1900. Unter dem Titel MODERN FASHION. Wiener Werkstätte & Paris wird sich die Präsentation mit der Entwicklung der Wiener Mode um 1900 bis ca. 1930 auseinandersetzen. Bereits Ende des 19. Jahrhunderts läuteten Henry van de Velde und Anna Muthesius eine Revolution in der Mode ein: Die Ablehnung des Korsetts und die Einführung des Reformkleides bilden einen bedeutenden Paradigmenwechsel in der europäischen Frauenkleidung.

In der Schau wird die 1911 gegründete Modeabteilung der Wiener Werkstätte in den Fokus gerückt sowie insbesondere der fruchtbare Austausch zwischen Wien und Paris, die Modemetropole par excellence, beleuchtet. Der damalige »King of Fashion«, Paul Poiret, der eng mit Künstler:innen zusammenarbeitete, stand im Austausch mit der Wiener Werkstätte. Modedesignerin Emilie Flöge reiste regelmäßig nach Paris, um aktuelle Trends zu studieren und die Wiener Werkstätte nahm mit ihrer Mode und zahlreichen weiteren Produkten an internationalen Ausstellungen teil.

Arbeiten von Sonia Delaunay, Raoul Dufy, Emilie Flöge, Mathilde Flögl, Josef Hoffmann, Gustav Klimt, Mela Koehler, Otto Lendecke, Maria Likarz-Strauss, Koloman Moser, Dagobert Peche, Paul Poiret, Egon Schiele oder Eduard Wimmer-Wisgrill werden in der Schau vertreten sein.

Mit rund zwei Quadratmetern ist die Haut das größte Organ des Menschen. Sie bedeckt und umhüllt den Körper, begrenzt und schützt ihn und macht Fühlen überhaupt erst möglich. Auf ihrer Oberfläche schreiben sich Erfahrungen und Empfindungen ein; sie prägt unsere Identität und ist zugleich auch Projektionsfläche für unser Gegenüber.

Ausgehend von ausgewählten Arbeiten der Graphischen Sammlung präsentiert die Ausstellung mehr als 60 Werke aus verschiedenen Medien und Epochen. Zeichnung, Malerei oder Skulptur – von den Alten Meistern bis zur Gegenwartskunst entfaltet sich ein vielschichtiges Panorama, das die Wiedergabe der Haut als eine der grundlegenden Aufgaben künstlerischer Praxis vor Augen führt. Die Haut erscheint dabei als Spiegel von Schönheit und Verletzlichkeit, von Jugend und Alter sowie als Ort der Emotion, Berührung und Begehrlichkeit. 

Zu sehen sind sowohl weniger bekannte Werke als auch Arbeiten namhafter Künstler wie Hans Baldung gen. Grien, Raffael, Tizian, Peter Paul Rubens, Auguste Rodin oder Robert Mapplethorpe. Durch die Gegenüberstellung der Werke werden Unterschiede und Parallelen in der Darstellung der Haut sichtbar und die Vielfalt gestalterischer Ansätze deutlich. Die verwendeten Materialien und Techniken – ob Pinsel und Farbe, Metallstift, Kreide, Kohle oder die dreidimensionale Form – machen die Körperoberfläche unmittelbar sinnlich erfahrbar. Darstellungen von Berührungen verstärken diese sinnliche Wirkung und verbinden Sehen, Fühlen und Begreifen. So erweist sich die Kunst als ein inspirierendes »Archiv« dafür, wie wir die Haut wahrnehmen und empfinden.

Kuratorin

Dr. Astrid Reuter (Leiterin Graphische Sammlung bis 1800, Städel Museum)

Die Festspiele Ein Gebäude tritt auf befassen sich mit zwei historischen öffentlichen Ereignissen des Bauhauses: mit der Eröffnung des Bauhausgebäudes am 4.12.1926 sowie dessen Wiedereröffnung 1976 als Wissenschaftlich-Kulturelles Zentrum. In Installationen, Aktionen, Foren und Aufführungen werden die unterschiedlichen geopolitischen Kontexte und historischen Öffentlichkeiten der beiden Ereignisse erkundet. Das Bauhausgebäude und die Geschichte der Institution bilden dabei den Resonanzraum vielstimmiger und kontroverser Erinnerungen. Wir schaffen Raum für aktuelle Debatten über die Rolle der Kulturinstitutionen, welche Foren der Diversität, der demokratischen Teilhabe und kulturellen Ko-Produktion sein sollen.

Festspiele: 4./5. Dezember 2026

Die urwüchsige Natur, die bewegte Ostsee, das besondere Licht – seit Jahrhunderten finden Künstler in Mecklenburg-Vorpommern wunderbare Quellen der Inspiration. In den Künstlerkolonien in Ahrenshoop, Schwaan oder auf der Insel Hiddensee entstanden einzigartige Arbeiten von prägenden Künstlern. Viele dieser Werke befinden sich in privaten Sammlungen und werden selten bis nie museal präsentiert. Im Kunstmuseum Ahrenshoop zeigen wir im Winter 2026/2027 eine Vielzahl dieser Gemälde aus norddeutschen Künstlerkolonien aus den Sammlungen Mahlfeld und Schumann.

Eröffnung: 11. Dezember 2026, 18 Uhr

Mit der Hinterglasmalerei hat Matthias Körner mittlerweile seine ureigene, ihm gemäße Technik gefunden, deren Bildwerke im Zentrum dieser Personalausstellung stehen.

Das für sie typische spiegelverkehrte Anlegen der Komposition ist dem Künstler (geb. 1954 in Cottbus, lebt ebenda) bereits durch seine Praxis diverser druckgrafischer Spielarten des Tiefdrucks vertraut: Hier war es für Körner insbesondere die Intagliotypie, in der er – um die 2010er Jahre – die Fotografie mit zeichnerisch-malerischem Gestus verbinden konnte und deren Schwarz-Weiß-Blätter ebenfalls punktuell Eingang in die Cottbuser Präsentation finden werden. Da im Vergleich zur Malerei auf Leinwand oder Papier der Arbeitsvorgang bei den Hinterglasbildern ein umgekehrter ist, muss der Künstler also nicht nur »rechts ist links« bedenken, sondern auch das »hinten vorn ist« – etwas, das laut Aussage Körners nach Jahren auf und hinter den zunehmend größer werdenden (Acryl-)Glasplatten für ihn zur Selbstverständlichkeit geworden ist.

Losgelöst von Trägermaterial und Technik bewegen sich seit dem Beginn seiner freiberuflichen Tätigkeit im Jahr 1989 seine Bildwelten vom Innen und Außen – wollte man traditionelle Genrebezeichnungen bemühen – zwischen zeitlos wirkenden Interieur-, Stillleben- und Landschaftsdarstellungen. Die Figur spielt, wenn überhaupt, meistens als Rückenfigur und Utensil, in jüngeren Arbeiten als Puppe eine untergeordnete Rolle. Zuweilen verabschiedet sich Matthias Körner in seinen Arbeiten gänzlich von der Wiedergabe eindeutig zu bestimmender Dinge und Orte und entlässt uns in wiederum verlockend anschauliche Farb- und Formwelten hinter Glas.

Victor von Plessen und Friedrich Dalsheim

Mit der großen Sonderausstellung Unter Göttern und Dämonen. Victor von Plessen und Friedrich Dalsheim präsentiert das Museum für Kunst und Kulturgeschichte das Werk zweier beeindruckender Kunstschaffender: Zum einen ist dies der aus Schleswig-Holstein stammende Victor von Plessen (1900–1980) – Forschungsreisender, Ornithologe, Maler und Filmemacher. Zum anderen geht es um Friedrich Dalsheim (1895–1936) – Pionier des ethnographischen Films. Zusammen bereisten sie in den 1930er Jahren Indonesien und drehten zwei Meilensteine des ethnographischen Films: Die Insel der Dämonen (1933) und Die Kopfjäger von Borneo (1936). Die Filme entstanden in Zusammenarbeit mit der balinesischen Dorfgemeinschaft von Bedulu bzw. mit den indigenen Dayak und Punan auf Borneo. 

Unsere Ausstellung ist eine transkulturelle Kooperation zwischen der Stiftung Schleswig-Holsteinische Landesmuseen und der Plessen-Stiftung Wahlstorf sowie der Deutschen Kinemathek (Berlin) und dem Agung Rai Museum of Modern Art (Ubud, Bali).

Die Ausstellung in der Reithalle von Schloss Gottorf vereint Film, Bildende Kunst, Literatur, Ornithologie und Ethnologie. Zu sehen sein werden Filmausschnitte, Werk- und Standfotos, Plakate und Dokumentationsmaterial; durch von Plessen in Bali gesammelte Vogelbälge; indonesische Ethnographica und Stoffmalereien (von Ida Bagus Anom, Anak Agung Gede Soberat) und Zeichnungen (von I Nyoman Ngendon) sowie Ölgemälde von Victor von Plessen und seinem auf Bali lebenden Malerfreund Walter Spies (1895–1942).

Über viele Jahre blieben sie im Hintergrund – die Malerinnen der Künstlerkolonie Ahrenshoop. In der ihnen gewidmeten Sammlungsausstellung wird beleuchtet, wie unterschiedlich die Lebenswege dieser Frauen verliefen und welchen Hindernissen sie sich in der Zeit um 1900 stellen mussten. Die Ausstellung erzählt von ihrer Begabung, ihrem Durchhaltevermögen und ihrem Kampf um Sichtbarkeit. Zwischen familiären Erwartungen, gesellschaftlichen Zwängen und künstlerischen Ambitionen gingen zahlreiche Talente beinahe verloren – und doch haben diese Künstlerinnen bleibende Spuren hinterlassen.

Die Schau im Kunstmuseum entsteht in enger Zusammenarbeit mit dem Künstlerhaus Lukas und dem Neuen Kunsthaus Ahrenshoop.

Eröffnung: 6. Dezember 2026, 11 Uhr

Dorit Bearach, E.R.N.A., Elli Graetz, Ingrid Hartmetz, Erika Stürmer-Alex, Christiane Wartenberg u. a.

In der Gruppenausstellung im BLMK werden einige Akteurinnen der GEDOK mit ihren individuellen künstlerischen Positionen vorgestellt. Auch deren Eingebundensein in das Künstlerinnen-Netzwerk wird aufgezeigt. Dabei werden verschiedene Perspektiven von Brandenburger Künstlerinnen auf ihre Region, auf ihre Handlungs- und Einflussbereiche reflektiert.

Die GEDOK feiert 2026 ihr 100-jähriges Bestehen. Der »Verband der Gemeinschaft der Künstlerinnen und Kunstfördernden e.V.« ist die älteste und größte interdisziplinäre Künstlerinnenvereinigung Europas. Seit einem Jahrhundert fördert das Netzwerk den Austausch und die Sichtbarkeit von Künstlerinnen. 1994 wurde die »GEDOK Brandenburg« als Landesverband gegründet. Seit 32 Jahren arbeiten hier Künstlerinnen mehrerer Generationen zusammen.

Werke von GEDOK-Mitgliedern, die sich in der umfangreichen, seit den 1960er Jahren konsequent aufgebauten Kunstsammlung des BLMK finden, werden in die Präsentation der aktuellen Werke sowie des Netzwerks eingefädelt. Somit verbinden sich in der Ausstellung verschiedene Ebenen des individuellen künstlerischen Arbeitens der Gegenwart im Kontext historischer Netzwerksbildung und einer Sammlungsentwicklung.

In diesem Jahr begeht der Rostocker Kunstpreis sein 20. Jubiläum. Anlass genug, um sich innerhalb der Ausschreibung der Kategorie der Königsdisziplin der Malerei zu widmen. Alle professionellen Künstler sind aufgerufen, sich zu bewerben, sofern sie auf eine Verbindung zum Bundesland Mecklenburg-Vorpommern verweisen können. Die Kunsthalle Rostock und die Kulturstiftung Rostock e.V. veranstalteten mittlerweile seit 20 Jahren gemeinsam den landesweit renommierten Preis. Gestiftet wird er von Beginn an von der PROVINZIAL-Versicherung mit 10.000 €. Nach der Jurierung durch Juroren aus ganz Deutschland und MV werden vier Kanditaten eingeladen, ihre Werke in der Kunsthalle Rostock auszustellen und so einem großen Publikum vorzustellen. Im Anschluss erfolgt die finale Jurierung. Während eines Festaktes wird die/ der Preisträger gekürt.

Der Preis stärkt die nordostdeutsche Ostseeregion mit einer Strahlkraft über diese hinaus.

Das Museum Franz Gertsch nimmt an der Cantonale Berne Jura, der Jahresausstellung der Kantone Bern und Jura, teil. Die Ausstellung findet im Kabinett statt. Hier treten aktuelle Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern in einen Dialog miteinander und zeigen ein Spektrum von abwechslungsreichen, zeitgenössischen Positionen. Diverse Techniken und Materialien werden aufgegriffen.

Aus der Tradition der regionalen Weihnachtsausstellungen entstanden, leistet die Cantonale Berne Jura einen wichtigen Beitrag zur regionalen und nationalen Kunstförderung. Sie stärkt das Netzwerk der in den beiden Kantonen tätigen Ausstellungsinstitutionen und hat sich als vielseitige Plattform für Kunstschaffende und Publikum etabliert.

Die Cantonale Berne Jura ist ein Zusammenschluss von elf Ausstellungsinstitutionen, die in einer gemeinsamen Jahresausstellung das Kunstschaffen der Kantone Bern und Jura präsentieren. Die kantonsübergreifende Ausstellung findet seit 2011 jährlich statt und wird seit 2012 vom Verein Cantonale organisiert und getragen. Ein gemeinsamer Eintrittspass für alle Institutionen kann an den jeweiligen Ausstellungskassen bezogen werden und ermöglicht den kostengünstigen Besuch aller Häuser.

Zur Eingabe berechtigt sind alle professionellen Künstlerinnen und Künstler, die entweder im Kanton Bern oder Kanton Jura ihren Wohnsitz oder Arbeitsort haben oder einer der beiden Kunstszenen angehören.

Die Ausstellung wird kuratiert von Anna Wesle in Zusammenarbeit mit den Mitgliedern der Jury.

Cosmofonia ist ein immersives, alle Sinne ansprechendes Filmprojekt der französischen Anthropologin, Filmemacherin und Künstlerin Verena Paravel. Mit diesem Projekt entwickelt Paravel ein neues Dokumentarfilmgenre, das Tiere und Pflanzen aus ihrer eigenen Perspektive oder jener ihrer unmittelbaren Umgebung zeigt. Cosmofonia widmet sich den unhörbaren Klängen und Stimmen des Planeten – darunter Infraschallschwingungen, seismische Töne, Kommunikationscodes zwischen verschiedenen Spezies sowie akustische Spuren von ökologischem Kollaps und Überleben. Die meisten Besucher:innen hören diese Klänge hier zum ersten Mal: Es handelt sich um Geräusche, die kaum verbreitet oder allgemein bekannt sind, nicht einmal innerhalb wissenschaftlicher Diskurse. Ermöglicht durch hochentwickelte audiovisuelle Technologie und geleitet vom Interesse der Künstlerin am »Sehen mit den Ohren«, eröffnen Paravels Untersuchungen ein neues Bewusstsein und eine veränderte Wahrnehmung der uns umgebenden Natur.

Kuratiert von Fatima Hellberg, Lukas Flygare und Naoko Kaltschmidt

Mit Beginn der zweiten Jahreshälfte startet auch die neue Ausstellungssaison. Im Sommer können sich Kunstschaffende jedes Jahr beim Aargauer Kuratorium bewerben. Auf Grundlage dieser Eingaben vergibt das Kuratorium Werk- und Förderbeiträge für Kunstschaffende mit engen Verbindungen zum Kanton Aargau. Die Auswahl zeigt jeweils rund fünfzig Arbeiten auf zwei Stockwerken des Aargauer Kunsthauses. Besuchende erhalten so einen einzigartigen Einblick in die Kunst aus der Region.

Charlotte Salomons (1917 Berlin – 1943 Auschwitz) außergewöhnliches Lebenswerk entstand innerhalb von zwei Jahren nach ihrer Flucht aus Berlin im Jahr 1939 im Exil in Südfrankreich. Leben? oder Theater? (1940–1942) ist ein umfangreiches Konvolut farbmächtiger Gouachen mit drehbuchartigen Szenen aus Text und Bild. In drei Akte unterteilt verknüpft das Werk Zeichnung und Malerei mit Elementen aus Literatur, Film, Theater, Musik und Philosophie. Im Wechsel von Close-Up und Totale verbindet die deutsch-jüdische Künstlerin autobiografische und fiktive Elemente zu einer virtuosen Neuerzählung ihrer Lebens- und Familiengeschichte. Die antisemitische Verfolgung und existenzielle Bedrohung im Nationalsozialismus bilden den Rahmen ihres sogenannten ›Singespiels‹, das zwischenmenschliche Beziehungen sowie Fragen nach Schicksal und Selbstbestimmung in den Mittelpunkt rückt. Die Ausstellung stellt 235 der insgesamt 769 Blätter vor und gibt Einblick in ein künstlerisches Werk, das durch seine innovative Bildsprache und experimentelle Erzählstruktur besticht.

In Kooperation mit dem Jewish Museum Amsterdam. Kuratiert von Irene Faber, eh. Sammlungskuratorin, Jewish Museum Amsterdam; am Kunstmuseum Ravensburg betreut von Lea Daro.

Eröffnung: 4. Dezember 2026, 19 Uhr

Beaux Mendes erarbeitet sich die Malerei als ein passageres Medium – ein Mittel des Übergangs und des Werdens auf unsicherem Boden. In den dicht geschichteten abstrakten Kompositionen der in Los Angeles lebenden Künstler:in flirrt Figuration zwischen Auftauchen und Entzug, zwischen Verdichtung und Auslöschung. Die Werke suchen nach einem Dazwischen: einem flüssigen, vorläufigen und widerständigen Zustand. Mendes’ Malerei lässt sich Zeit und widersetzt sich traditioneller Darstellung. Es gilt nicht das schon Sichtbare zu zeigen, vielmehr geht es darum, das Unsichtbare – das, was sich nicht zeigen darf – aufzudecken. Die Arbeiten erinnern uns daran, dass das Bild nie gänzlich wahrnehmbar, gar gedanklich erfassbar sein kann. Die Bildträger – ob Leinen, Holz, Pergament oder Paneele – spielen eine entscheidende Rolle. Statt sie im Dienst der Illusion zu verbergen, kratzt und wischt Mendes immer wieder die Farbschicht ab, um ihre je eigene Textur freizulegen. Dieser Prozess ruft gespenstische Formen ins Leben und unterstreicht einen Eindruck des Unvollständigen.

Mendes’ Werke untersuchen – und dekonstruieren – europäisch-amerikanische Traditionen der Landschafts- und Pleinairmalerei; letztere, eine Entwicklung des 19. Jahrhunderts, wird oft mit der kolonialen Inbesitznahme und Ästhetisierung sogenannter »unerforschter« Gebiete in Verbindung gebracht. Bei Mendes dagegen dienen wiederholte Reisen an entlegene Orte wie den Angeles National Forest in Kalifornien oder den Schwarzwald und das Elbtal in Deutschland einer kritischen Reflexion auf die Ideologien, die sich Landschaften eingeprägt haben: Ausbeutung, Auslöschung und die Malerei als Werkzeug von imperialer Herrschaft und Ethnonationalismus. Durch beharrliche Materialerkundung und verkörperte Forschung eröffnen Mendes’ Malereien neue Räume des Vorstellens und Fühlens – Räume, die sich der Schließung widersetzen und andere Blicke auf und Beziehungen zu Land, Erinnerung und Form ermöglichen. So reaktiviert die Künstler:in das Genre der Landschaftsmalerei als Ort transformativer Potenziale.

In der Secession zeigt Mendes vor allem neue Werke, von denen einige während eines Arbeitsaufenthalts in Wien entstanden sind. Die Schau versammelt diverse Facetten des Œuvres, darunter auch jüngste Arbeiten im Medium der Skulptur und ausdrücklicher figurative Malereien.

Kuratiert von Jeanette Pacher

Die Ausstellung »Alles surreal?!« zeigt rund 250 surrealistische Fotografien aus der Sammlung Dietmar Siegert, die die Staatsgalerie im Sommer 2025 mit Mitteln der Museumsstiftung Baden-Württemberg erwerben konnte. Die Präsentation erfolgt im Dialog mit rund 30 Gemälden, Zeichnungen, Skulpturen und Objekten von Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte, Max Ernst, Meret Oppenheim u.a. aus der Sammlung der Staatsgalerie sowie internationalen Museen und Privatsammlungen.

Die Ausstellung »Wildlife Photographer of the Year« präsentiert atemberaubende Natur- und Tierfotografie aus aller Welt. Ausgewählt von einer renommierten Jury zeigen die Bilder die Schönheit, Vielfalt und Verletzlichkeit unseres Planeten. Sie erzählen berührende Geschichten von Wildtieren, seltenen Momenten und bedrohten Lebensräumen – festgehalten von talentierten Fotografinnen und Fotografen mit großem Gespür für Timing und Perspektive.

Die Ausstellung lädt dazu ein, die Natur mit neuen Augen zu sehen und regt zum Nachdenken über den Schutz unserer Umwelt an. Ein visuelles Erlebnis voller Emotion, Staunen und Inspiration.

Grundlage für die Ausstellung bildet der gleichnamige Wettbewerb des Natural History Museum in London, der seit 1965 jährlich die besten Naturfotografien auszeichnet.

Ort: Karl Freund-Galerie und Oberlichtsaal

Fotografie kann uns ins Staunen versetzen, uns zweifeln oder glauben lassen. Dabei spielt nicht nur das Motiv eine Rolle, sondern auch die Materialität der Fotografie. Ob auf Glas, Papier oder Bildschirm, jede Erscheinungsform des Mediums lenkt unsere Wahrnehmung. Digitale Verfahren und die Nutzung Künstlicher Intelligenz stellen den Objektcharakter der Fotografie zunehmend infrage.

Was macht eine Fotografie aus, woraus besteht sie? Die Kunstbibliothek bewahrt in ihrer Sammlung Fotografie eine große Vielfalt unterschiedlichster Foto-Objekte, deren Lebens- und Rezeptionsgeschichten einem fortlaufenden Wandel unterworfen sind. Die Ausstellung greift ausgehend von einer Materialgeschichte der Fotografie Aspekte der Technik, der Erinnerungs- und Wissenskultur auf und führt von den Anfängen des Mediums bis heute.

In den Jahresendspurt geht die Bundeskunsthalle mit einer große Überblicksschau, die erstmals in Europa zentrale Werke von mehr als 60 Künstlerinnen aus Lateinamerika von Mexiko bis Argentinien vereint. Lateinamerikanische Künstlerinnen. Von Frida Kahlo bis heute spannt einen großen Bogen über mehr als ein Jahrhundert, der berühmte Künstlerinnen mit solchen vereint, die über die Jahrzehnte in Vergessenheit geraten sind. Die Ausstellung geht den eigenständigen künstlerischen Sprachen auch in ihrer Bedeutung für kulturelle Identitäten und Prozesse der (weiblichen) Selbstermächtigung nach.

Die raumgreifenden Installationen der polnischen Künstlerin Iza Tarasewicz nehmen als modulare Strukturen Gestalt an – mobile und rekonfigurierbare Systeme auf Grundlage formaler Prinzipien, die von der Natur, wissenschaftlicher Forschung und visuellen Hilfsmitteln wie Graphen und Diagrammen inspiriert sind. Viele ihrer Arbeiten bestehen aus diversen Einheiten, die sich je nach Ausstellungskontext fortlaufend neu anordnen und umgestalten lassen. Die Künstlerin bezieht sich dabei auf die atomistische Philosophie der klassischen Antike wie auf Erklärungsmodelle aus dem 20. Jahrhundert – Quantenphysik und Chaostheorie – in Verbindung mit eingehenden Untersuchungen zu Arbeit, volkstümlichen Traditionen und Modernismus. Ihre Skulpturen und Assemblagen, in denen sie Materialien von gerostetem Stahl bis hin zu Lingzhi-Pilzen verarbeitet, bilden dynamische Systeme, in denen die Grenze zwischen Organischem und Anorganischem verschwimmt. Tarasewicz’ Kunst ist tief in den gesellschaftlichen und (land-)wirtschaftlichen Praxen verwurzelt, die sowohl in der Region Podlachien, wo sie geboren wurde, bleibende Spuren hinterlassen haben als auch in den Riten und Volkstraditionen, die die Kultur großer Teile Mittel- und Osteuropas prägen.

Im Zentrum von Tarasewicz’ Werk steht der Gedanke, dass unser Leben entgegen der trügerischen Vorstellung, wir könnten uns von unserer Umwelt lösen, untrennbar mit dem anderer, uns begleitender Arten verwoben ist. Angesichts wachsender sozialer Ungleichheiten und des Hyperindividualismus in den kapitalistischen Gesellschaften wie auch der populistischen und faschistischen politischen Bewegungen, die sie nähren, ist ihre Praxis von der Frage geleitet, wie wir Bindungen eingehen und Verwandtschaften knüpfen können. In ihrer eklektischen Ausstellung in der Secession bringt Tarasewicz Sci-Fi-Konzepte in Verbindung mit Landwirtschaft, indem sie Raumfahrzeuge und Retro-Maschinen kombiniert, die in der heutigen Wirtschaft nutzlos geworden sind und als technologischer Schrott gelten. Indem sie diese Maschinen ihre eigene chaotische Gemeinschaft aufbauen lässt, schafft sie spielerische und humorvolle Modellbeispiele einer anderen Wirklichkeit, um so einer sich ständig beschleunigenden Welt, in der wirtschaftliche und politische Ordnungen rund um den Erdball in einer ernsten Krise stecken, die Stirn zu bieten. Ihre Installation spiegelt Chaos nicht nur als zerstörerische Kraft wider, sondern erkundet zugleich sein produktives Potenzial, eine Offenheit, die zu neuen Einsichten führen und Formen gemeinschaftlichen Lebens wiederaufleben lassen kann.

Kuratiert von Bettina Spörr

Der japanische Künstler Yoshinori Niwa, der derzeit in Wien lebt, untersucht die Dynamik von Macht, Teilhabe und gesellschaftlichem Engagement in einer performativen Praxis, die die Grenzen zwischen Künstler, Publikum und Institution verschwimmen lässt. Seine Interventionen nehmen oft die Form sozial eingebetteter Aktionen an, die er in öffentlichen oder institutionellen Räumen inszeniert, um Verhaltensreglements und Herrschaftsverhältnisse aufzuzeigen und in Frage zu stellen. 

Niwas Kunst bedient sich des Alltäglichen als Ort der politischen Untersuchung und des affektiven Austauschs. Seine Performances und Aktionen kritisieren nicht nur Machtstrukturen; sie setzen durch kollektives Engagement und die Aktivierung marginalisierter Stimmen Alternativen ins Werk. Niwas Arbeiten setzen Humor, Aushandlungsprozesse und Ausdauer ein, um die zugrundeliegenden Mechanismen aufzudecken, die über Sichtbarkeit, Zustimmungsfähigkeit und Bürger:innenbeteiligung entscheiden. Anstatt statische Objekte zu produzieren, legt seine Praxis den Schwerpunkt auf Beziehungen und Begegnungen sowie auf Momente der Störung, die das reibungslose Funktionieren von Kontrollsystemen herausfordern. Niwas Praxis eröffnet Räume, in denen Teilhabe zu einer Form des Widerstands wird und Sichtbarkeit als Risiko, aber auch als Möglichkeit neu gefasst wird.

Kuratiert von Haris Giannouras

Der in Luxemburg geborene US-amerikanische Künstler Edward Steichen (1879–1973) konnte auf eine lange und abwechslungsreiche Karriere zurückblicken: Er war Maler, Designer und Pionier des Piktorialismus in der Fotografie.

Als prägende Figur der modernen Fotografie kuratierte er unter anderem die legendäre Ausstellung Family of Man im MoMA. Das MNAHA besitzt mit 267 Abzügen die weltweit größte öffentliche Sammlung von Steichens fotografischem Werk. Ende 2026 wird die fünfte Etage des Nationalmuseums mit einer Dauerausstellung über sein Leben und Werk wiedereröffnet.

Das Museum Tinguely setzt die Reihe zu den menschlichen Sinnen in den bildenden Künsten fort. In der Gruppenausstellung zum Sehsinn werden Kunstwerke verschiedener Medien von der Zeit des Barocks bis zur Gegenwart präsentiert, die eine Vielfalt von überraschenden Seherfahrungen bieten. Beim Betrachten von Kunst werden wir unweigerlich mit Prämissen unserer visuellen Wahrnehmung konfrontiert: dem Zusammenspiel von Licht, Dunkelheit, Farbe, Bewegung und Raum. Seit Jahrhunderten experimentieren Künstler:innen mit Techniken, Mechanismen und apparativen Hilfsmitteln, um die von kulturellen Faktoren geprägten Bedingungen des optischen Erlebens unserer Umwelt und deren Repräsentation in der Kunst zu hinterfragen und neu zu erfinden. Oft trüben sie dabei absichtlich unsere alltägliche Sicht auf die Realität, indem sie in ihre Werke Störfaktoren und Illusionen integrieren, wie Verzerrungen, Umkehrungen oder Spiegelungen.

Mit rund zwei Quadratmetern ist die Haut das größte Organ des Menschen. Sie bedeckt und umhüllt den Körper, begrenzt und schützt ihn und macht Fühlen überhaupt erst möglich. Auf ihrer Oberfläche schreiben sich Erfahrungen und Empfindungen ein; sie prägt unsere Identität und ist zugleich auch Projektionsfläche für unser Gegenüber.

Ausgehend von ausgewählten Arbeiten der Graphischen Sammlung präsentiert die Ausstellung mehr als 60 Werke aus verschiedenen Medien und Epochen. Zeichnung, Malerei oder Skulptur – von den Alten Meistern bis zur Gegenwartskunst entfaltet sich ein vielschichtiges Panorama, das die Wiedergabe der Haut als eine der grundlegenden Aufgaben künstlerischer Praxis vor Augen führt. Die Haut erscheint dabei als Spiegel von Schönheit und Verletzlichkeit, von Jugend und Alter sowie als Ort der Emotion, Berührung und Begehrlichkeit. 

Zu sehen sind sowohl weniger bekannte Werke als auch Arbeiten namhafter Künstler wie Hans Baldung gen. Grien, Raffael, Tizian, Peter Paul Rubens, Auguste Rodin oder Robert Mapplethorpe. Durch die Gegenüberstellung der Werke werden Unterschiede und Parallelen in der Darstellung der Haut sichtbar und die Vielfalt gestalterischer Ansätze deutlich. Die verwendeten Materialien und Techniken – ob Pinsel und Farbe, Metallstift, Kreide, Kohle oder die dreidimensionale Form – machen die Körperoberfläche unmittelbar sinnlich erfahrbar. Darstellungen von Berührungen verstärken diese sinnliche Wirkung und verbinden Sehen, Fühlen und Begreifen. So erweist sich die Kunst als ein inspirierendes »Archiv« dafür, wie wir die Haut wahrnehmen und empfinden.

Kuratorin

Dr. Astrid Reuter (Leiterin Graphische Sammlung bis 1800, Städel Museum)

Das inklusive Ensemble Lichtgestalten feiert sein 10-jähriges Bestehen mit dem außergewöhnlichen Kunstprojekt FOR M. In Zusammenarbeit mit der Fotografin Heide Prange entsteht eine berührende Ausstellung, die Tanz, Emotion und Inklusion miteinander verbindet.

FOR M reagiert künstlerisch auf aktuelle gesellschaftliche und politische Entwicklungen und setzt ein starkes Zeichen für gelebte Inklusion, Gemeinschaft und kulturelle Teilhabe. Die Fotografien – entstanden auf dem historischen Zanders-Gelände – zeigen poetische, kraftvolle und vielfältige Momente des Ensembles und lassen die besondere Verbindung von Mensch, Raum und Bewegung erlebbar werden.
Ein Projekt, das bewegt, verbindet und Formen sichtbar macht.

Eröffnung: 29. November 2026, 11:30 Uhr

»Einfach gedrechselt?« – Von wegen. Aus einheimischen Hölzern, Mooreiche oder Mammutbaum, ergänzt durch Metall, Draht oder Beton, erschafft H. A. Schilling weit mehr als handwerklich versierte, einzigartige Gefäße. Sie sind Gleichnisse unseres Lebens. Erzählen von Trennung, Unsicherheit und Verletzung. So ist für den 1952 in Worms geborenen und in Grünstadt lebenden Drechslermeister und Diplomdesigner das Drechseln nicht allein eine komplexe Handwerkstechnik, sie ist eine Denkform. Seine freien Arbeiten, aber auch die in Serie gefertigten Essstäbchen, Salzfässer, Pfeffermühlen oder Schreibstifte entstehen aus einem tiefen Verständnis des Materials Holz – seiner Struktur, seiner Spannung, seiner Widerständigkeit.

Anlässlich der Verleihung des Lebenswerkpreises für Kunsthandwerk 2024 durch den Bezirksverband Pfalz präsentiert das mpk einen Überblick über ein Werk, das sich zwischen anspruchsvollem Gebrauchsgut und freier künstlerischer Arbeit, zwischen Perfektion und Bruchstelle bewegt. Schillings Arbeiten zeugen vom Wesentlichen, sind geprägt von einer stillen, kraftvollen Ästhetik des Einfachen und sind damit dann doch: einfach gedrechselt!

Eröffnung: 29. November 2026, 11 Uhr

Über kunsthistorische Werke des ausgehenden 19. Jahrhunderts bis in die 1930er Jahre und der Verknüpfung mit zeitgenössischer Kunst widmet sich die Ausstellung des Wandels sorbischer und wendischer Identitäten / Identitätskonzepte und -vorstellungen sowie deren Sichtbarkeiten.

Entlang des Verhältnisses und der Funktion von (traditioneller) Kleidung als gesellschaftlicher Repräsentation des Individuums und dessen kollektiver Verortung setzt die Ausstellung Genre- und Landschaftsmalerei der Kunstgeschichte in Bezug zu aktuellen Werken aus der Gegenwartskunst sowie dem Mode- und Trachtendesign und deren Geschichte. Die (historische) Basis jener Schau bilden Leihgaben aus den Sammlungen von Partnermuseen (Wendisches Museen, Kunstsammlung Lausitz usw.) sowie der Sammlung des BLMK.

Nevin Aladağ erhält den Kurt Schwitters Preis 2026 der Niedersächsischen Sparkassenstiftung. Die Auszeichnung, die zum fünfzehnten Mal vergeben wird, ist mit 30.000 Euro dotiert und umfasst eine umfangreiche Einzelausstellung im Sprengel Museum Hannover. Die Preisverleihung findet im Herbst 2026 statt.

Aladağ wurde 1972 in Van (Türkei) geboren, wuchs in Stuttgart auf und studierte von 1994 bis 2000 Bildhauerei bei Olaf Metzel an der Akademie der Bildenden Künste München. Sie lebt heute in Berlin und ist seit 2019 Professorin für »Skulptur in Bewegung« an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Nevin Aladağ arbeitet multimedial. Ihr Werk umfasst Skulpturen, Installationen, Collagen, Reliefs, Video- und Soundarbeiten sowie Performances. Oft dienen Alltagsgegenstände, alltägliche Situationen und Handlungen als Ausgangspunkt. Ihr Interesse gilt den kulturellen und politischen Bedeutungen, die mit der Herkunft und Geschichte dieser Objekte verbunden sind. Durch die Herauslösung der Dinge aus ihrem ursprünglichen Kontext verändert sie deren Lesart und macht ideologische und politische Konnotationen sichtbar. Ein zentrales weiteres Thema ihrer Arbeit ist Musik, Tanz und Spiel als Ausdruck kultureller Identität. In Projekten wie dem Musikzimmer, das 2017 auf der documenta in Athen gezeigt wurde, kombiniert sie Musikinstrumente aus verschiedenen Teilen der Welt zu skulpturalen Arbeiten, Performances und Wandreliefs.

Internationale Bekanntheit erlangte sie insbesondere durch ihre Teilnahme an der documenta 14 (Athen und Kassel) sowie der 57. Biennale von Venedig (2017). Ihr Werk wurde in zahlreichen internationalen Einzelausstellungen präsentiert, darunter im Max Ernst Museum Brühl (2024), in Seoul, München, London, San Francisco, Hannover, Dresden, Linz, Basel, Berlin und Istanbul.

KURT SCHWITTERS PREIS DER NIEDERSÄCHSISCHEN SPARKASSENSTIFTUNG

Anliegen des KURT SCHWITTERS PREIS ist es, Künstlerinnen und Künstler zu würdigen, »deren Werk durch die Berufung auf Kurt Schwitters gekennzeichnet ist und sich durch das Vorwagen in neue Bereiche künstlerischen Gestaltens und künstlerischer Vorstellungen auszeichnet, oder deren Werk einen Beitrag zur Verbindung und Integration der künstlerischen Gattungen leistet«. Die Vergabe des KURT SCHWITTERS PREIS ist ein wichtiger Baustein der Kulturförderung der Niedersächsischen Sparkassenstiftung, die sich durch ein ganzjähriges Engagement in den Förderbereichen Bildende Kunst, Musik, Museen und Denkmalpflege auszeichnet.

Kuratiert von Stefan Gronert

Eröffnung: 27. November 2026, 19 Uhr